CECILIA

“Improvisations and jam sessions become rituals of presence, deep listening, and communion.”

CECILIA es una artista y compositora originaria de Kamouraska, en la zona rural de Quebec (Canadá). Actualmente reside en París después de trabajar en Montreal, Nueva York y Nápoles. Su discografía comprende el primer EP ‘Charity Whore’ de 2017 publicado en Grooming Label, seguido de su LP debut ‘Adoration’ publicado en Halcyon Veil en 2018 y ‘Summer in Sexilia’ publicado en Xquisite Releases en 2021. Ha actuado en distintos festivales y eventos en México, Japón, China y Europa.

Esta entrevista se realiza con motivo de su nuevo álbum “Choeur” (coro de cantores) publicado por el sello italiano Haunter Records que consiste en once composiciones electroacústicas que contienen sonidos orgánicos y sintéticos que se develan a través de sus movimientos corporales, junto a un trabajo vocal – corazón del despliegue musical de CECILIA – acompañado de la plasticidad escénica, el canto en inglés y francés, las texturas electrónicas y las frases de piano.

Los ejercicios corales entregan soltura y misticismo que se plasma en la idea que CECILIA declara: «Para mí, la existencia – el universo y la vida misma – es intrínsecamente mística. Habitamos un enigma milagroso, un misterio».
La voz alada y teatral de CECILIA transporta a diferentes mundos emocionales; algunos de ellos desgarradoramente espectrales y misteriosos, otros condescendientes y acogedores.
Queremos agradecer a Maria Nannou de la Agencia de Publicidad, de Gestión y Consultoría, Modern Matters, afincada en Berlín y a la propia CECILIA por compartir sus pensamientos y postura filosófica.

¿Cómo surgió tu interés por la música coral? Supongo que está relacionado con el hecho de que tu voz es una parte central de tu música.

“El título ‘CHOEUR’ se me ocurrió durante el proceso de grabación. Durante mis sesiones informales en solitario e improvisaciones llevaron a la composición de las primeras maquetas. Siempre cantaba mientras caminaba y me movía por la habitación cantando siempre en movimiento. Me hacía pensar en el coro de las tragedias griegas que realizaba movimientos direccionales específicos relacionados con la narración, encarnando gestos rituales y simbólicos. Tuve la sensación de acompañarme a mí misma a través de las corrientes emocionales y narrativas que surgían de las improvisaciones.

Me encanta la idea de un coro no estático, un coro ambulante. Así que, sí, por muy megalómano y delirante que sea, me lo tomé como una forma de renacer, con un antiguo y trágico coro ambulante, un coro perdido y solitario, en los miles de tonos grises y lluviosos del enero parisino, en un escenario vacío y sin público. Un coro en fuga, un coro que confunde su voz con la de la heroína. Un coro que ha olvidado su papel de mediador social, su función de comentarista moral, un coro deslumbrado y poseído por la belleza del sol que sale y se pone sobre un paisaje interior, donde se ha quedado varado en su deriva.

Este título también refleja el deseo incumplido de grabar coros reales durante la producción del álbum. En un momento dado, me planteé reunir y grabar a cantantes profesionales y no profesionales, pero esta idea nunca prosperó. El título refleja esa ambición no realizada. En su lugar, seguí desarrollando una técnica de superposición: grabar varias tomas vocales para cada pista, no con el objetivo de seleccionar la mejor, sino de mezclarlas todas para crear más densas y ricas texturas vocales. Nunca se oye una sola toma, sino una superposición de distintas interpretaciones vocales. A veces se mezclan tan suavemente que la voz parece unificada, casi como si estuviéramos escuchando una sola toma; otras veces, se pueden distinguir las distintas capas superpuestas. En la mayoría de los casos, la voz bulle y se agolpa con otras que se aferran a ella.

También me pareció muy interesante que las palabras chœur (coro) y cœur (corazón) sean homófonas en francés, comparten exactamente la misma pronunciación y sólo se distinguen por la letra ‘h’. Un coro y un corazón tienen mucho en común. Tanto la polifonía como la coherencia del corazón implican crear unidad a través de la diversidad”.

En el comunicado de prensa se señala el siguiente argumento: “Ver el sonido como un encuentro profundamente personal que se experimenta en la intimidad del cuerpo”. ¿Podría ampliar esta idea?

“Sí, creo que aunque esta idea pueda sonar romántica, simplemente tiene sus raíces en la ciencia de cómo funciona el sonido. El sonido es una vibración que viaja en forma de ondas. Cuando el sonido golpea algo, hace que sus moléculas vibren. No sólo oímos el sonido con los oídos. Todo el cuerpo recibe y siente las vibraciones y se ve afectado por ellas. Es como si nos tocaran a distancia y siempre estamos inmersos en este constante intercambio vibratorio, resonando con todo lo que nos rodea.

La música penetra en el cuerpo y evoca reacciones viscerales que son inseparables de nuestra experiencia interior. El sonido no sólo resuena en el espacio exterior, sino que penetra en el cuerpo, despertando emociones, recuerdos y sensaciones físicas. Los sonidos existen dentro de nosotros, llevando toda su realidad, invisible pero no por ello menos material.
No hay nada impermeable en el reino sonoro y como escribe bellamente Pascal Quignard en ‘La Haine de la Musique’ (‘El Odio de la Música’) – que es, en realidad -, uno de los más bellos ensayos tributo que rinden homenaje al poder del sonido y la música, ‘los oídos no tienen párpados’.

He aquí un pasaje que he traducido libremente: ‘Todo sonido es lo invisible en forma de perforador de envolturas. Ya se trate de cuerpos, habitaciones, apartamentos, castillos o ciudades fortificadas. Lo inmaterial, supera todas las barreras. El sonido ignora la piel, no sabe lo que es un límite: es ilocalizable. No se puede tocar; es lo inasible. Oír no es como ver. Lo que se ve puede ser abolido por los párpados, detenido por un tabique o hecho inaccesible por un muro. Lo que se oye no conoce párpados, tabiques, tapices ni muros. Sin límites, nadie puede protegerse de él”.

Crear música, para mí, es una danza – por no decir una batalla, un arte de lucha -, un intento de dar forma a un grito interior hirviente y sin voz. Como un dolor de antes de la conciencia, de todos los tiempos, un dolor sónico, arcaico y sublime. Sentimos el sonido a través de la piel, el pecho, las tripas, y toca algo indecible y crudo dentro de nosotros”.

Cuáles fueron tus fuentes de inspiración para la realización de tu álbum “Choeur”?

Si me lo permites, me ha resultado difícil formular una respuesta, así que aquí tienes una lista espontánea y no exhaustiva (sin ningún orden en particular) de algunas de las muchas fuentes de inspiración: Mi infancia, una fuente eterna e inagotable, numerosas noches sin dormir, el frío, la humedad, el gris y lúgubre invierno en París durante enero y febrero, añoranza de tiempo en la naturaleza, Rimbaud, el filme de Pina Bausch, ‘The Plain of the Empress‘ (‘La llanura de la Emperatriz’), ‘Cierra los ojos’, el conmovedor y romántico dúo de Ozzy Osbourne y Tina Fey y el recuerdo de las lágrimas que llenaban los ojos de mi padre al escucharlo en el coche, Alice Coltrane, un regreso autosaboteador a una relación amorosa viciosa y delirante con un personaje de mi pasado parecido a Bel Ami, ver todas las actuaciones y entrevistas de Whitney Houston en YouTube, aborrecer mi trabajo diario, negarme a dormir y recargar energía para mi trabajo diario, un repentino y refrescante flechazo que me calienta el corazón, Kazuo Ohno, Dionne Warwick, el paso del enamoramiento repentino y el enfriamiento de mi corazón, Mogwai, mirar las estrellas, Lydie Dattas, la novela La Foudre y la poesía Le Livre des Anges, ‘Les Vies Minuscules’ de Pierre Michon, Alfred Deller, Brigitte Fontaine, To Live Is to Die de Metallica”.

Cada vez que escucho tu álbum «Choeur», siento que tiene una fuerte carga mística/religiosa. ¿Cuál es tu opinión al respecto?

“Sí, tiene sentido. Adopto plenamente la postura mística en cuanto a mi forma de enfocar el arte y la creación musical. Dicho esto, no me interesa un misticismo que se apresura a escapar a las torres de la trascendencia. Para mí, hacer música – y especialmente cantar – es una práctica de encarnación: misticismo inmanente enraizado en la respiración, cimentado en la tierra y anclado en la carne del corazón. Desde ahí tiende puentes entre mundos visibles e invisibles, canaliza lo desconocido. Mi proceso de composición es a menudo un ritual; las reuniones informales con músicos y las sesiones de improvisación se convierten en rituales de presencia, escucha profunda y comunión. Son momentos de reunificación, en los que me abro a corrientes emocionales, conmemorativas e imaginativas que buscan forma y resonancia, tanto dentro como fuera de mí. En esos momentos, siento que pertenezco a algo. Me siento escuchada. Para mí, la existencia – el universo y la vida misma – es intrínsecamente mística. Habitamos un enigma milagroso, un misterio.

Nuestro hogar, lo desconocido. Esta constatación me llena de asombro cada mañana. Este sentimiento de asombro es a veces inquietante, como un vértigo existencial, un vértigo de misterio. Ese vértigo me sobrevino muy pronto. En uno de mis primeros recuerdos, tengo 3 o 4 años y estoy llorando de ese vértigo, completamente abrumada por una pregunta vertiginosa que no encontraba respuesta: ¿Dónde estamos? ¿Qué contiene el universo? Y si ese universo está contenido dentro de otro, ¿qué contiene a aquél? Me di cuenta de que, fuera cual fuera la respuesta, todo universo conduciría inevitablemente a otro infinito. Esta conciencia de la posibilidad del infinito y de la imposibilidad de captar siquiera esta idea con la mente me ha inquietado e inspirado desde entonces.

Con el debido respeto, parece que la mayoría de las veces las religiones suprimen o censuran los elementos místicos de sus orígenes y mensajes fundamentales. Temen el misticismo porque desafía su autoridad, favoreciendo una conexión radical y personal con lo divino. El místico bebe directamente de la fuente, buscando una fe continuamente renovada y un despertar a través de la experiencia que requiere evolucionar fuera de las limitaciones de las instituciones”.

¿Podrías comentarnos acerca de tus próximos proyectos?

“En las próximas semanas estrenaré un nuevo vídeo musical para mi canción ‘Grace Turn’. Producido en colaboración con la editorial Year Zero, irá acompañado de un libro con mis escritos, junto con imágenes del vídeo. Tanto el vídeo como el libro se lanzarán juntos en enero. Los vinilos del álbum también estarán listos por esas mismas fechas. Hemos sufrido algunos retrasos debido a problemas con las pruebas de prensado, así que el álbum físico de CHOEUR estará finalmente disponible en enero a través de Haunter Records. El próximo álbum está en preparación, pero no verá la luz hasta 2026.

Me presentaré en París el 7 de diciembre en Lucid Interval, junto a Tati au Miel y Negashi Armada. De cara al futuro, estoy planeando una gira para principios de la primavera de 2025, con algunas fechas junto al artista VÌZ. Sería increíble reservar un show en Chile; aún no he presentado mi trabajo en Sudamérica, ¡así que no duden en invitarme!”.

CECILIA is an artist and composer from Kamouraska, in rural Quebec (Canada). She currently based in Paris after working in Montreal, New York and Naples. Her discography comprises the first EP ‘Charity Whore’ from 2017 released on Grooming Label, followed by her debut LP ‘Adoration’ released on Halcyon Veil in 2018 and ‘Summer in Sexilia’ released on Xquisite Releases in 2021. She has performed at various festivals and events in Mexico, Japan, China and Europe.

This interview took place on the occasion of her new album ‘Choeur’ (choir of singers) released by the Italian label Haunter Records which consists of eleven electro-acoustic compositions containing organic and synthetic sounds that are unveiled through her body movements, together with vocal work – the heart of CECILIA’s musical display – accompanied by scenic plasticity, singing in English and French, electronic textures and piano phrases.

The choral exercises deliver a looseness and mysticism that is embodied in the idea that CECILIA declares: ‘For me, existence – the universe and life itself – is intrinsically mystical. We inhabit a miraculous enigma, a mystery’.
CECILIA’s winged, theatrical voice conveys to different emotional worlds; some of them heartbreakingly spectral and mysterious, others condescending and welcoming.
We would like to thank Maria Nannou from the Berlin-based Publicity, management & consultancy agency, Modern Matters and CECILIA herself for sharing her thoughts and philosophical stance.

How did your interest in choral / Choeur come about? I guess it’s related to the fact that your voice is a central part of your music.

“The title ‘CHOEUR’ came to me during the recording process. During the solo jam sessions and improvisations that led to the composition of the first demos, I would always sing while walking and moving around the room always singing in motion. It made me think of the chorus in Greek tragedies, which performed specific directional movements connected to the narrative, embodying ritualistic and symbolic gestures. I felt as though I was accompanying myself in this way through the emotional and narrative currents that emerged from the improvisations.

I love the idea of a non-static choir, a walking choir. So, yea, as megalomaniacal and delirious as I may be, I took myself for a reborn, ancient, walking tragic choir—a lost and solitary one, in Paris January’s thousands shades of rainy gray, on an empty stage before no audience. A choir on the run, a chorus confusing its voice with that of the heroine. A chorus that has forgotten its role as a social mediator, its function as a moral commentator—a chorus dazzled and possessed by the beauty of the sun rising and setting over an inner landscape, where it has stranded itself in its drift.

This title also reflects the unfulfilled desire of recording actual choirs during the album’s production. At one point, I considered gathering and recording both professional and non-professional singers, but this idea never came to fruition. The title carries that unrealized ambition. Instead, I continued developing a technique of layering: recording multiple vocal takes for each track, not with the aim of selecting the best, but blending them all together to create thicker, richer vocal textures. You never hear just one take, but always a layering of different vocal performances. Sometimes they blend so smoothly, the voice appears unified almost as if we were hearing one take only, other times, you can discern the distinct layers overlapping. The vocals most often teems and swarms with others clinging to it.

I also thought it was very interesting that the words chœur (chorus/choir) and cœur (heart) are homophones in French, they share the exact same pronunciation and are distinguished only by the letter ‘h.’ A choir and a heart have a lot in common. Polyphony and heart coherence both involve creating unity through diversity.”

In the press release you argue: «Viewing sound as a deeply personal encounter experienced within the intimacy of the body» Could you please expand on this?

“Yea, I think that even though this idea might sound romantic, it is simply rooted in the science of how sound works. Sound is vibration traveling as waves. When sound hits something, it makes its molecules vibrate. We don’t just hear sound with our ears. The whole body receives, feels the vibrations and is affected by them. It’s like being touched from a distance, and we’re always engaged in this constant vibrational exchange, resonating with everything around us.

Music penetrates the body and evokes visceral reactions that are inseparable from our inner experience. Sound does not merely resonate in external space; it enters the body, awakening emotions, memories, and physical sensations. Sounds exist within us, carrying their full, invisible yet no less material reality.
There is nothing impermeable in the sonic realm and as Pascal Quignard beautifully writes in ‘La Haine de la Musique’ (‘The Hatred of Music’) – which is, in reality, one of the most beautiful tributes essays paying homage to the power of sound and music – ‘the ears have no eyelids’.”

Here is a passage I’ve translated freely: “All sound is the invisible in the form of the envelope piercer. Whether it be bodies, rooms, apartments, castles, or fortified cities. Immaterial, it surpasses all barriers. Sound ignores the skin, does not know what a limit is: it is unlocatable. It cannot be touched; it is the elusive. Hearing is not like seeing. What is seen can be abolished by eyelids, stopped by a partition, or made inaccessible by a wall. What is heard knows no eyelids, partitions, tapestries, or walls. Boundless, no one can protect themselves from it.”

Creating music, for me, is a dance — not to say a battle, an art of struggle — an attempt to give form to a boiling voiceless cry inside. Like a pain from before consciousness, from all times, a sonic pain, archaic and sublime. We feel sound through the skin, the chest, the guts, and it touches something unspeakable and raw within us.”

What were your sources of inspiration for the making of your album ‘Choeur’?

If you’ll allow me, I’ve found it difficult to phrase this one so instead, here’s a non-exhaustive, spontaneous list (in no particular order) of some of the many sources of inspiration: My childhood, an eternal and inexhaustible source, numerous sleepless nights, the cold, damp, gray, and dreary winter in Paris during January and February, longing for time in nature, Rimbaud, Pina Bausch, The Plain of the Empress, ‘Close your eyes,’ the poignant, romantic duet by Ozzy Osbourne and Tina Fey, and the memory of the tears filling up my father’s eyes listening to it in the car, Alice Coltrane, a self-sabotaging return to a vicious and delusional love affair with a Bel Ami-like character from my past, binge-watching every single Whitney Houston performance and interview on YouTube, the detestation of my day job, the refusal to sleep and recharge for my day job, a sudden refreshing crush warming up my heart, Kazuo Ohno, Dionne Warwick, the passing of the sudden crush and the cooling of my heart, Mogwai, star gazing, Lydie Dattas, La Foudre novel and Le Livre des Anges poetry, Les Vies Minuscules by Pierre Michon, Alfred Deller, Brigitte Fontaine, To Live Is to Die by Metallica.”

Every time I listen to your album ‘Choeur,’ I feel that it has a strong mystical/religious charge. What is your opinion about it?

“Yea it makes sense. I fully take the mystical stance regarding the way I approach art and music creation. That said, I have no interest in a mysticism that hastens to escape into the towers of transcendence. For me, making music—and especially singing—is a practice of embodiment: immanent mysticism rooted in breath, grounded in the earth, and anchored in the flesh of the heart. From there it builds bridges between visible and invisible worlds, channels the unknown. My composition process is often ritualistic; improvisations and jam sessions become rituals of presence, deep listening, and communion. These are moments of reunification, where I open myself to emotional, memorial, and imaginative currents seeking form and resonance—both within and beyond. In these moments, I feel a sense of belonging. I feel heard. To me, existence — the universe and life itself — is intrinsically mystical. We dwell within a miraculous enigma, a mystery.

Our home, the unknown. That realization fills me with awe every morning. This feeling of awe is sometimes unsettling, like an existential vertigo—a vertigo of mystery. That vertigo struck me very early on. In one of my earliest memories, I am 3 or 4 and I am crying from that vertigo, completely overwhelmed by a vertiginous question that was finding no answer: Where are we? What is the universe inside of? And if that universe is contained within another, what contains that one? I realized that no matter the answer, every universe would inevitably lead to another infinitely. This awareness of the possibility of infinity and the impossibility of even grasping this idea with the mind has both troubled and inspired me ever since.

With all due respect, it seems that most often, religions suppress or censor the mystical elements of their origins and core messages. They fear mysticism because it challenges their authority, favoring a radical, personal connection to the divine. The mystic drinks directly from the source, seeking a continually renewed faith and awakening through experience which requires evolving outside of the constraints of institutions.”

Could you please tell us about your up-coming projects?

“I am releasing a new music video for my song Grace Turn in the upcoming weeks. Produced in collaboration with publishing house Year Zero, it will be accompanied by a book featuring my writings, paired with image stills from the video. Both the video and the book are set to launch together in January. The vinyls for the album will also be ready around the same time. We’ve experienced some delays due to issues with the pressing tests, so the physical album of CHOEUR will finally be available in January through Haunter Records. The next album is in the making but should not see the light until 2026.

I’ll be performing in Paris on December 7th at Lucid Interval, alongside Tati au Miel and Negashi Armada. Looking ahead, I’m planning a tour for early spring 2025, with some dates alongside artist VÌZ. It would be amazing to book a show in Chile—I’ve yet to present my work in South America, so feel free to invite me!”